PEC CURSO 2024/2025
Asignatura:
ARQUITECTURA Y VANGUARDIA EN EL PERIODO DE ENTREGUERRAS
Ejercicio:
Una exposición imaginaria: la alumna tendrá que proceder a seleccionar las obras de pintura que integrarían una muestra relativa a las vanguardias históricas del período de entreguerras. No podrán ser más de diez, ni menos de cinco y deberá realizar la ficha técnica de cada una de las obras elegidas. Debe entenderse que el comentario y análisis documentará la pertenencia de cada obra a un determinado movimiento, aportando las bases teóricas que lo sustenten. No hay que olvidar la bibliografía correspondiente a cada caso. El alumno puede acudir a la web del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o a la web del Museo Thyssen-Bornemisza para conocer el modelo de ficha catalográfica o de inventario que pueda orientarle en la realización del ejercicio
ÍNDICE
Introducción y Marco Contextual
Diseño Conceptual de la Exposición
Análisis de Obras y Fichas Técnicas
Reflexiones Finales
Referencias Bibliográficas
1. Introducción y Marco Contextual.
Título:
Fragmentos y Utopías: Arte en tiempos de crisis
Resumen:
La exposición Fragmentos y Utopías: Arte en tiempos de crisis explora cómo el arte respondió a los grandes conflictos del siglo XX, especialmente entre las dos guerras mundiales. A través de tres secciones temáticas, examina desde la fragmentación y el caos tras la Primera Guerra Mundial, reflejado en obras de Dalí y Höch, hasta los lenguajes visuales innovadores de Kandinsky y Mondrian, que ofrecieron visiones utópicas. La muestra culmina con piezas que fusionan pérdida y esperanza, como las de Carrington y Ángeles Santos.
Contexto:
La exposición Fragmentos y Utopías: Arte en tiempos de crisis nos transporta a uno de los períodos más complejos y turbulentos del siglo XX, cuando el arte emergió como un faro en medio de la devastación. En un mundo sacudido por guerras, crisis económicas y una incertidumbre política sin precedentes, los artistas encontraron en la creación un medio para confrontar las fracturas de su tiempo y, a la vez, imaginar nuevos horizontes.
Las vanguardias artísticas del período entreguerras encarnaron esta dualidad. Por un lado, movimientos como el dadaísmo y el surrealismo tradujeron el trauma colectivo en obras cargadas de paisajes fragmentados, elementos oníricos y satíricos, simbolizando el caos de un mundo en ruinas. Por otro lado, corrientes como el constructivismo y el neoplasticismo exploraron lenguajes visuales radicalmente nuevos, con una aspiración de orden y renovación. Así, el dadaísmo, con su irreverencia y sus innovadoras técnicas de fotomontaje, respondía a la brutalidad de la Primera Guerra Mundial y cuestionaba las bases del racionalismo occidental que habían conducido a tal destrucción. Simultáneamente, el neoplasticismo de Mondrian proyectaba una utopía de equilibrio entre lo espiritual y lo material, como un contrapunto al desorden de su tiempo.
Esta propuesta expositiva, dividida en tres secciones, busca trazar un recorrido que transite entre la devastación y el renacimiento. Desde los collages satíricos de Hannah Höch hasta las visiones oníricas de Leonora Carrington, las piezas seleccionadas no solo conectan al público con el período entreguerras, sino que invitan a reflexionar sobre los paralelismos entre aquella época y los desafíos actuales.
En última instancia, Fragmentos y Utopías nos recuerda que, incluso en los momentos más oscuros, el arte posee una capacidad transformadora única: la de convertir la pérdida en creación, el caos en posibilidad y la adversidad en un acto de resiliencia y esperanza.
Posibles espacios expositivos:
A continuación, se enumeran los museos donde podría presentarse esta propuesta:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid)
Museo Guggenheim (Bilbao)
Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) (León)
Asimismo, podrían valorarse otros espacios relevantes en el territorio español o incluso en el ámbito internacional, con el fin de ampliar el alcance y el impacto de la propuesta.
2. Diseño Conceptual de la Exposición.
Sección 1: Ecos de la Devastación: Fragmentación e identidad.
La primera sección examina las fracturas del mundo tras la Gran Guerra, desde el impacto de la crisis hasta las nuevas formas de cuestionar la identidad. Obras emblemáticas como El enigma de Hitler de Salvador Dalí o los collages de Hannah Höch reflejan las crisis y el caos de la época. Paralelamente, piezas como el Autorretrato de Claude Cahun desafían las nociones tradicionales de identidad y resistencia.
El enigma de Hitler (1939) - Salvador Dalí
La verbena (1927) - Maruja Mallo
Die starken Männer (1931) - Hannah Höch
Autorretrato (ca. 1927) - Claude Cahun
Sección 2: Utopías en Construcción: Nuevos lenguajes visuales.
La segunda sección aborda el impulso creativo que buscó reconstruir el mundo desde una óptica utópica. Aquí, las composiciones de Kandinsky, Mondrian y Chashnik introducen lenguajes geométricos y abstractos que rompen con las formas tradicionales, estableciendo nuevas posibilidades visuales.
Composición suprematista (1925) - Ilya Chashnik
Composición en rojo, azul y amarillo (1930) - Piet Mondrian
Tensión suave (No. 85) (1923) - Wassily Kandinsky
Sección 3: Horizontes Reimaginados: Entre fragmentos y esperanzas.
La última sección explora cómo las vanguardias fusionan la experiencia de la pérdida con la búsqueda de renovación. Obras como La giganta de Leonora Carrington o Un mundo de Ángeles Santos articulan la tensión entre lo onírico y lo simbólico, representando la resiliencia y la transformación.
La convaleciente (1925-1926) - María Blanchard
La giganta (1947) - Leonora Carrington
Un mundo (1929) - Ángeles Santos
3. Análisis de Obras y Fichas Técnicas
1. El enigma de Hitler (1939) - Salvador Dalí
Autor: Salvador Dalí (1904, Figueres, España - 1989, Figueres, España)
Título: El enigma de Hitler
Fecha: 1939
Técnica: Óleo sobre lienzo
Categoría: Pintura
Dimensiones: 95 × 141 cm
Corriente artística: Surrealismo
Ubicación: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (España)
Justificación de su inclusión en la exposición
Esta obra de Salvador Dalí encapsula el ambiente de incertidumbre y descomposición ideológica que marcó los años previos a la Segunda Guerra Mundial. En esta obra Dalí emplea elementos característicos del surrealismo, como los relojes derretidos y los paisajes desolados, para simbolizar la fragilidad del tiempo y la inestabilidad emocional de una Europa en crisis. La figura de Hitler se presenta como un símbolo inquietante, representado la amenaza del totalitarismo que se cernía sobre el continente.
Creada en un periodo de tensiones políticas y sociales extremas, la obra también refleja la posición ambigua y provocadora de Dalí respecto al contexto histórico, lo que llevó a su expulsión del grupo surrealista liderado por André Breton. A través de esta pieza, Dalí logra articular el temor colectivo y el caos existencial que definieron la era, consolidando su capacidad de usar el arte para capturar los ecos de una devastación inminente.
2. La verbena (1927) - Maruja Mallo
Autora: Maruja Mallo (1902, Viveiro - 1995, Madrid, España)
Título: La verbena
Fecha: 1927
Técnica: Óleo sobre lienzo
Categoría: Pintura
Dimensiones: 119 × 165 cm
Corriente artística: Surrealismo
Ubicación: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (España)
Justificación de su inclusión en la exposición:
La verbena de Maruja Mallo es una obra clave para comprender la relación entre arte, cultura popular y crítica social en la España de los años veinte. Presentada en su exposición individual de 1928, organizada por Ortega y Gasset, esta pintura forma parte de una serie dedicada a las fiestas madrileñas, donde Mallo retrata con una visión profundamente personal los rituales y costumbres populares de la época.
La obra se caracteriza por su barroquismo visual y su atmósfera surrealista, repleta de símbolos y personajes caricaturescos que transforman escenas cotidianas en una crítica aguda a la sociedad y política del momento. Figuras como el gigantón de un solo ojo, el fraile o el mendigo con pies deformes se convierten en metáforas visuales que cuestionan las tensiones y contradicciones sociales de aquel momento.
La fragmentación visual propia del estilo de Mallo funcionan como herramientas para revelar el trasfondo político y social en un contexto aparentemente festivo. Esta obra destaca en la exposición no solo por su audaz fusión de lo popular y lo surrealista, sino también por su capacidad de evidenciar cómo las tensiones de una sociedad convulsa se infiltran incluso en los espacios de ocio y celebración.
3. Die starken Männer (1931) - Hannah Höch
Autora: Hannah Höch (1889, Gotha - 1978, Berlín, Alemania)
Título: Die starken Männer (Los hombres fuertes)
Fecha: 1931
Técnica: Fotomontaje con acuarela
Categoría: Collage
Corriente artística: Dadaísmo
Dimensiones: 24.5 × 13.5 cm
Ubicación: Institut für Auslandsbeziehungen, Stuttgart (Alemania)
Justificación de su inclusión en la exposición:
Esta obra es un ejemplo emblemático del uso del fotomontaje como herramienta para desafiar las normas sociales, políticas y de género de la República de Weimar. Höch descompone y deforma la figura masculina tradicional al combinar fragmentos de imágenes industriales y retratos masculinos, revelando las tensiones ideológicas y sociales de su tiempo. Este enfoque irónico desarticula las nociones de poder y masculinidad, simbolizando la crisis de las identidades de género en un contexto de colapso político y económico.
El collage se convierte aquí en un medio crítico para explorar los límites de la representación y deconstruir las narrativas dominantes. Höch examina la fragmentación simbólica del poder, evidenciando cómo los conflictos ideológicos afectan la psique colectiva y las estructuras de autoridad tradicionales. Esta obra alude al proceso de desintegración social y política, así como al colapso de valores patriarcales en una época de profundas transformaciones.
Encarnando el espíritu crítico del dadaísmo, Die starken Männer denuncia con agudeza la erosión de los valores establecidos y alerta sobre el ascenso de ideologías totalitarias. Su capacidad para exponer las tensiones de la modernidad y cuestionar las bases del poder, reafirma a Höch como una figura fundamental en las vanguardias del siglo XX.
4. Autorretrato (ca. 1927) - Claude Cahun
Autora: Claude Cahun (1894, Nantes, Francia - 1954, Saint Helier, Jersey)
Título: Autorretrato
Fecha: ca. 1927
Técnica: Impresión en gelatina de plata
Categoría: Fotografía
Dimensiones: 11.7 × 8.9 cm
Corriente artística: Surrealismo
Ubicación: Detroit Institute of Arts, Detroit (Estados Unidos)
Justificación de su inclusión en la exposición:
El Autorretrato de Claude Cahun es una obra que cuestiona profundamente las categorías tradicionales de género y la construcción de la identidad personal, especialmente en el contexto de las transformaciones sociales y políticas del periodo entreguerras. A través del uso del fotomontaje y recursos visuales innovadores, Cahun desmantela las narrativas patriarcales y explora la fluidez de género, proponiendo un replanteamiento radical de las categorías impuestas.
La obra evidencia cómo el "yo" se construye y deconstruye en un entorno de desestabilización histórica, donde los roles de género y las estructuras sociales tradicionales se desmoronan. Este enfoque se vincula directamente con la temática de la sección Ecos de la Devastación: Fragmentación e identidad, al igual que el trabajo de Hannah Höch, ya que ambas artistas exponen las fracturas y contradicciones inherentes a las identidades hegemónicas y patriarcales mediante la fragmentación estética y conceptual.
5. Composición suprematista (1925) - Ilya Chashnik
Autor: Ilya Chashnik (1902, Lucyn, Lituania - 1929, Leningrado, Rusia)
Título: Composición suprematista
Fecha: 1923
Técnica: Óleo sobre cartón
Categoría: Pintura
Dimensiones: 183,5 x 112 cm
Corriente artística: Suprematismo
Ubicación: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid (España)
Justificación de su inclusión en la exposición:
La obra Composición suprematista se desarrolla en el contexto de los primeros años de la Unión Soviética, cuando la abstracción se integró en los planteamientos ideológicos de la revolución. Influenciado por el suprematismo de Kazimir Malévich, Ilya Chashnik explora un nuevo lenguaje visual basado en la abstracción geométrica. Este enfoque busca transmitir ideales universales de equilibrio, armonía y unidad, en sintonía con la visión utópica de construir una nueva sociedad socialista.
En esta obra la interacción entre formas geométricas crea un ritmo dinámico que evoca la construcción de un mundo, en el que los opuestos convergen en armonía. Las figuras flotantes parecen vistas aéreas de estructuras arquitectónicas y refuerzan la conexión entre arte y arquitectura.
Integrada en Utopías en Construcción: Nuevos lenguajes visuales, Composición suprematista simboliza el arte como motor de transformación social, usando el lenguaje geométrico para imaginar la construcción de una sociedad utópica.
6. Composición en rojo, azul y amarillo (1930) - Piet Mondrian
Autor: Piet Mondrian (1872, Amersfoort, Países Bajos - 1944, Nueva York, Estados Unidos)
Título: Composición en rojo, azul y amarillo
Fecha: 1930
Técnica: Óleo sobre lienzo
Categoría: Pintura
Dimensiones: 45 × 45 cm
Corriente artística: De Stijl (Neoplasticismo)
Ubicación: Kunsthaus Zürich, Zúrich, Suiza
Justificación de su inclusión en la exposición:
Piet Mondrian, figura clave del neoplasticismo, desarrolla en esta obra un lenguaje abstracto que, a través de colores primarios y líneas negras meticulosamente ordenadas, simboliza un ideal de pureza y armonía. Esta combinación busca expresar un ideal de pureza y equilibrio, evocando una estructura simbólica transformadora que transmite inspiración, renovación y esperanza.
Mondrian logra no solo una representación estética, sino también un modelo simbólico de orden universal, donde la simplicidad geométrica actúa como herramienta para reflexionar sobre la reconstrucción de la sociedad y las posibilidades de un nuevo entendimiento entre lo material y lo espiritual. Su trabajo, con su capacidad para unificar opuestos en composiciones equilibradas, encaja plenamente en la exploración de nuevos lenguajes visuales que caracteriza la sección Utopías en Construcción: Nuevos lenguajes visuales.
7. Tensión suave nº. 85 (1923) - Wassily Kandinsky
Autor: Wassily Kandinsky (1866, Moscú, Rusia - 1944, Neuilly-sur-Seine, Francia)
Título: Tensión suave nº. 85
Fecha: 1923
Técnica: Acuarela y tinta sobre papel.
Categoría: Pintura
Dimensiones: 35,5 x 25,2 cm
Corriente artística: Abstracción lírica.
Ubicación: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid (España)
Justificación de su inclusión en la exposición:
La obra Tensión suave nº. 85 emerge en un contexto de intensa renovación artística, marcado por el pensamiento espiritualista y las transformaciones sociales de la posguerra. Kandinsky explora lo inmaterial mediante líneas fluidas, formas dinámicas y una paleta cromática cuidadosamente seleccionada, generando una experiencia estética que va más allá de lo tangible. Su propuesta busca equilibrar las fuerzas opuestas de la existencia, invitando al espectador a conectar con una dimensión espiritual profundamente transformadora.
Este enfoque encarna los ideales de reconstrucción presentes en la sección Utopías en Construcción, ofreciendo un lenguaje visual abstracto y vanguardista. Kandinsky rompe con las formas tradicionales al proponer una estética que invita a reimaginar el arte, trascendiendo lo material y enriqueciendo de manera profunda la experiencia humana.
8. La convaleciente (1925-1926) - María Blanchard.
Autora: María Blanchard (1881, Santander, España - 1932, París, Francia)
Título: La convaleciente
Fecha: 1925-1926
Técnica: Pastel sobre cartón
Categoría: Dibujo
Dimensiones: 100 x 73 cm
Corriente artística: Realismo poscubista
Ubicación: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
Justificación de su inclusión en la exposición:
La convaleciente representa una transición crucial en la trayectoria de María Blanchard, al fusionar el lenguaje cubista con un enfoque más figurativo y realista, lo que da lugar a una obra profundamente introspectiva. La figura central, con su postura contenida y mirada melancólica, refleja un estado emocional vulnerable, capturado a través de una composición sobria y una paleta cromática suave que realza la intimidad de la escena.
El delicado detallismo, junto con las reminiscencias cubistas en las formas geométricas de los pliegues y el entorno, logra un equilibrio entre la exploración formal y la carga emocional. Esta obra no solo refleja la evolución artística de Blanchard, sino también su capacidad para abordar temas universales como la fragilidad humana y la resiliencia.
Ubicada en la sección Horizontes Reimaginados: Entre fragmentos y esperanzas, La convaleciente subraya cómo las experiencias de pérdida y recuperación pueden abrir camino a procesos de transformación personal y colectiva. La vulnerabilidad, como motor de resistencia, conecta el dolor con la posibilidad de trascenderlo, ofreciendo una visión esperanzadora que dialoga con la resiliencia y la transformación hacia un futuro más luminoso y esperanzador.
9. La giganta (1947) - Leonora Carrington
Autora: Leonora Carrington (1917, Lancashire, Inglaterra - 2011, Ciudad de México, México)
Título: La giganta
Fecha: 1947
Técnica: Témpera y óleo sobre madera
Categoría: Pintura
Dimensiones:119,6 x 69,5 cm
Corriente artística: Surrealismo
Ubicación: Colección particular.
Justificación de su inclusión en la exposición:
Carrington presenta en La giganta una figura poderosa que simboliza la fuerza femenina y la regeneración de la naturaleza desde la ruina. La guardiana del huevo representa el renacimiento y la transformación cultural e identitaria, temas centrales de la sección Horizontes Reimaginados: Entre fragmentos y esperanzas.
Aunque no pertenece estrictamente al período de entreguerras, la obra encaja perfectamente en esta sección al explorar la resiliencia y la renovación frente a la adversidad. Ambientada en un paisaje onírico que mezcla elementos míticos y simbólicos, La giganta evoca una constante metamorfosis personal y colectiva, donde lo femenino actúa como eje de resistencia y creación. Esta transformación se manifiesta en la interacción entre lo humano, lo animal y lo divino, fusionando mitologías ancestrales con una modernidad que renace y se reinventa a partir de sus propias ruinas.
10. Un mundo (1929) - Ángeles Santos
Autora: Ángeles Santos (1911, Portbou, España - 2013, Madrid, España)
Título: Un mundo
Fecha: 1929
Técnica: Óleo sobre lienzo
Categoría: Pintura
Dimensiones: 290 × 310 cm
Corriente artística: Superrealismo, Surrealismo.
Ubicación: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
Justificación de su inclusión en la exposición:
Un mundo es una obra filosófica y evocadora en la que Ángeles Santos fusiona elementos oníricos para explorar las posibilidades de transformación inherentes a la experiencia de la pérdida y la fragmentación. Su composición, con imágenes fragmentadas y formas emergentes, sugiere que la descomposición no es un final, sino una etapa a transitar, crucial en el proceso de renovación y transformación personal y colectiva.
Ubicada en la sección Horizontes Reimaginados: Entre fragmentos y esperanzas, la obra invita a repensar las relaciones entre pasado y futuro, lo conocido y lo desconocido, ofreciendo un espacio para la imaginación y la esperanza.
La elección de Un mundo como cierre de la exposición se justifica por su capacidad para condensar las tensiones entre la desfragmentación y las utopías. La obra establece un diálogo visual y conceptual con las piezas de Carrington y Blanchard. Representa la síntesis y culminación de la narrativa global de resiliencia, transformación y esperanza que define esta sección. Santos ofrece visiones de futuro y nuevos horizontes, consolidando así un cierre profundo y transformador para la narrativa visual de la sección.
5. Reflexiones finales.
La exposición Fragmentos y Utopías: Arte en tiempos de crisis ofrece un análisis profundo sobre cómo los grandes conflictos del siglo XX transformaron el arte en una herramienta esencial de resistencia, expresión y renovación. A lo largo de sus tres secciones, la muestra explora las tensiones entre la fragmentación y la esperanza, revelando cómo los movimientos artísticos del período entreguerras trascendieron las meras preocupaciones estéticas para convertirse en espacios de transformación conceptual y crítica social.
Artistas como Kandinsky, con su abstracción lírica, y Hannah Höch, mediante el fotomontaje, cuestionaron las narrativas hegemónicas y exploraron conceptos como identidad, poder y estructuras sociales. Maruja Mallo, en La verbena, usó la sátira surrealista para desmontar rituales sociales y tensiones culturales. Las obras de Claude Cahun trascendieron lo estético, convirtiéndose en herramientas de resistencia y subversión contra identidades rígidas y jerarquías patriarcales. Estas inquietudes vanguardistas mantienen su vigencia frente a crisis globales actuales, conectando con debates sobre sostenibilidad, derechos humanos y paz.
Aunque la exposición se centra en las vanguardias europeas y no abarca todas las corrientes artísticas del período, Fragmentos y Utopías logra ofrecer una reflexión contundente sobre el arte como un lenguaje de resistencia y transformación. En última instancia, la muestra tiende un puente entre el pasado y el presente, recordándonos que el arte sigue siendo una herramienta imprescindible para imaginar futuros posibles, desafiar narrativas dominantes y encontrar esperanza incluso en los contextos más adversos.
5. Referencias bibliográficas.
Libros
Antigüedad del Castillo-Olivares, M. D. (2023). La vanguardia fragmentada: Arte del siglo XX. Centro de Estudios Ramón Areces.
Chipp, H. B., Selz, P., & Taylor, J. C. (2021). Teorías del arte contemporáneo: Fuentes artísticas y opiniones críticas (1ª ed., reimp.). Akal.
Hannah Höch (Catálogo Exposición, 20 de enero al 11 de abril de 2004). Aldeasa; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Moorhead, J. (2017). Leonora Carrington: Una vida surrealista. Turner Publicaciones S.L.
Artículos en revistas
Fernández Utrera, M. S. (2013).” El teatro en la pintura: La renovación teatral en la vanguardia española. La Verbena (1927) de Maruja Mallo”. Anales de la Literatura Española Contemporánea, 38(3), 585-612. Society of Spanish & Spanish-American Studies. https://www.jstor.org/stable/24431765.
Felten, U. (2018). “Feminidades nomádicas en la fotografía del siglo XX”. Área Abierta, Revista de comunicación audiovisual y publicitaria, 18(1), 97-110. https://doi.org/10.5209/ARAB.57078
Fernández Gutiérrez, J. M. (2016). “Raoul Hausmann, Hannah Höch y el fotomontaje como sátira política”. Boletín de Arte, 37(37), 159–168. https://www.revistas.uma.es/index.php/boletin-de-arte/article/view/3289/3032.
Vincent, F. (2023). “María Blanchard, history and geography of a Spanish artist in Paris”. HAL Open Science. https://hal.science/hal-04260778.
Páginas web
Detroit Institute of Arts. (n.d.). Self-portrait. https://dia.org/collection/self-portrait-35987 (consultado el 17 de diciembre de 2024).
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Kunsthaus Zürich. (n.d.). Composition in Red, Blue, and Yellow. https://collection.kunsthaus.ch/en/collection/item/2455/ (consultado el 17 de diciembre de 2024).
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Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. (n.d.). El enigma de Hitler. https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/enigma-hitler-enigma-hitler# (consultado el 17 de diciembre de 2024).
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. (n.d.). Tensión suave (No. 85). https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/kandinsky-wassily/tension-suave-no-85 (consultado el 19 de diciembre de 2024).
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. (n.d.). Composición suprematista. https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/chashnik-ilya/composicion-suprematista (consultado el 19 de diciembre de 2024).
Museo Leonora Carrington. (n.d.). La giganta. https://www.leonoracarringtonmuseo.org/la-giganta (consultado el 19 de diciembre de 2024).
Institut für Auslandsbeziehungen (ifa). (n.d.). Die starken Männer (Los hombres fuertes). https://agora.ifa.de/en/work/strong-armed-men-1892 (consultado el 18 de diciembre de 2024).
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. (n.d.). Un mundo. https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/mundo (consultado el 19 de diciembre de 2024).
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. (n.d.). La convaleciente https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/convalescente-convaleciente (consultado el 20 de diciembre de 2024).
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